Un fumetto, come un film, una canzone, o qualsiasi altra opera artistica, nasce prima di tutto da un’idea!
Purtroppo però essa non arriva a comando, standocene semplicemente seduti davanti al foglio bianco… Rimarremmo ad aspettare invano per chissà quanto tempo!

Sta a noi cercare lo spunto, l’ispirazione giusta, da tutto ciò che ci circonda: da una chiacchierata con gli amici o i parenti, alla vista di una persona interessante, un fatto accaduto, dai comportamenti di qualcuno che passa per strada (Carlo Verdone, Giorgio Panariello ed altri crearono così molti dei propri personaggi), alla lettura di un articolo sul giornale, ecc…

Quando arriva la “folgorazione” sta alla nostra creatività cercare di elaborarla, fino ad ottenere, appunto, il nostro fumetto (detto anche “fratello povero del Cinema”).
Per fare ciò ci vorrebbe studio, esercitazione e tanta pratica… Ma a volte è la grande passione a portarci dei risultati anche oltre le aspettative!!!

Se siamo riusciti a tener fede a quanto scritto finora, l’iter prevede la stesura di un soggetto: un breve racconto che spiega ciò che abbiamo in mente.
Personaggi, scene, colpi di scena, finale e quant’altro. Tutto senza usare il discorso diretto.
Questo passaggio è indispensabile qualora dovessimo trovare un editore disposto a finanziare e sviluppare la nostra idea. Il fine della nostra opera però non dev’essere principalmente “il lucro”, ma bisogna essere mossi soprattutto dalla passione!!!

A questo punto, si passa alla scrittura della sceneggiatura: qui studio ed esperienza sono fondamentali se stiamo muovendo da soli i primi passi…
Un modo per aggirare questo problema, almeno agli occhi di un profano totale, è cercare di osservare minuziosamente i film, o altri fumetti: le inquadrature, lo sviluppo di una scena, i dialoghi, le pause, gli sfondi, le scenografie e i dettagli!
Potremo così carpire lo stile dei nostri autori preferiti, e provare, da bravi Artisti, a “copiarli”. Almeno nell’attesa di apprendere uno stile tutto nostro!

Nella sceneggiatura vengono impostati definitivamente i dialoghi e le inquadrature.
Ci sono diversi tipi di inquadrature, regole che devono essere conosciute quando si imposta un fumetto o un film… Quelle principali sono:

Articolo tratto da Ciak – Maggio 1985

Ed eccoci finalmente pronti a disegnare!!! Armiamoci di matita, pennarello (o pennino), fogli spessi (220 g/mq circa per la bella copia) e tanta tanta pazienza!!!

Studio dei Personaggi

I canoni di bellezza della figura umana ideale vogliono che la testa stia 7 volte nel corpo.
Se si ha uno stile umoristico, le proporzioni possono essere diverse. Per mantenere la continuità del personaggio tra una vignetta e l’altra, e disegnarlo in determinate posizioni, bisognerebbe impostarlo attraverso delle figure geometriche.

Potrà capitare di non riuscire a rappresentare una determinata scena o tavola. Non scoraggiamoci: non bisogna avere fretta. Una buona dormita, una mangiata, uscire un po’… insomma, fare altro; possono essere un toccasana, per ritornare a lavorare al nostro fumetto più appassionati di prima!!! Non tralasciamo eventuali suggerimenti dall’esterno! E attenzione a bilanciare gli spazi per i baloon (nuvolette di testo)

Dopo il tratto a matita è cosa buona e giusta ripassare tutto con un pennarello a punta fine (inchiostrazione), rendendo incancellabile il nostro foglio! Occhio ad eventuali errori prima di procedere!!!

Quando avremo terminato, ricontrollato e corretto la nostra “grande opera” e ne saremo soddisfatti, in rapporto alle nostre capacità, potremo finalmente mostrarlo a chi vogliamo!!!

Buon Divertimento e Buona Fortuna!!!

Melo903

Se avete ancora qualche domanda sulla realizzazione dei fumetti, non esitate a porla al nostro fumettista… utilizzate lo spazio dei commenti!

Presentati ai nostri lettori!
Ciao, sono Lorenzo Bonetti, co-fondatore del progetto CreArti.eu assieme a mio fratello Valerio.

Come è nata questa idea?
Il tutto è nato in un caldo pomeriggio di agosto nel 2007. Siccome era staccata la spina dal nostro lavoro principale (pubblicità esterna ai punti vendita), ma era collegata quella della fantasia e creatività, ci è venuta un’idea, prendendo spunto da quello che avevamo già visto proporre sul web ormai da un po’ di tempo, ma in forma diversa, ovvero le solite foto stampate su tela.
Il nostro desiderio invece, era quello di sfruttare le nostre tecnologie di stampa al servizio dell’arte con articoli realizzati su misura. Il tutto sfruttando quella creatività che è nel nostro DNA e che il nostro lavoro principale solo in parte richiede.
Abbiamo così pensato di fondere la nostra passione per l’arte con la conoscenza del mondo grafico e della stampa. Il risultato finale è un prodotto originalissimo del quale andiamo fieri.
Un quadro “custom” su misura, in pratica la stampa di una foto su tela, ma elaborata e personalizzata in stile Pop Art! Un articolo che tutti possono ricevere in pochi giorni, in tutto il mondo, direttamente a casa propria.

Qual è il vostro target di riferimento?
I prodotti Crearti sono perfetti per chi è alla ricerca di regali originali e personalizzati, per chi vuole stupire una persona cara, o semplicemente per tutti coloro che vogliono dare un tocco di colore e vitalità alle pareti della propria casa o del proprio ufficio, rendendole uniche.

Come nascono le vostre idee?
A volte durante la notte mi sveglio, e può capitare che mi venga in mente un’idea che ritengo interessante per la creazione di qualche nuovo stile di quadro da proporre sul nostro sito Crearti.eu.
Allora mi alzo, accendo il pc e cerco di dare una forma concreta alla mia idea, (questo il caso di Crazymondrian99 creato di recente, ad esempio…). Il mattino seguente, riguardo il tutto, e se mi sembra ancora valido e interessante, lo propongo subito sul nostro sito.
Altre volte, mi basta sfogliare un giornale, o guardare un’immagine pubblicitaria per strada, per prendere spunto e dar vita ad un nuovo stile di ritratto o stampa artistica per Crearti (questo è successo ad esempio per Textarti e per Kissarti…).

Per concludere, cosa deve fare un utente per avere il suo quadro personalizzato?
È molto semplice, basta visitare il sito www.crearti.eu e scegliere tra i vari stili artistici pop art proposti, quello preferito.
Dopodiché si può scegliere il formato del quadro, e dove previsto, si può personalizzare la stampa con i colori preferiti (per meglio adattarli all’arredamento), con un testo personale, e scegliere se acquistare la sola tela oppure la stessa con intelaiatura in legno.
Alla fine del processo di acquisto, si invia la foto in formato digitale che sarà poi elaborata da Crearti, stampata e inviata al cliente in circa 7 giorni lavorativi. Se si tratta di un regalo inoltre, per chi lo desidera, si può decidere di inviare il quadro direttamente al domicilio del destinatario, il tutto in pochi e semplici click!

Ringraziamo Lorenzo e v’invitiamo a visitare anche le aree del negozio dedicate agli stili più affini a questa sezione di BE! Magazine, ovvero CartoonArti e la neonata MangArti.

Ciao Giorgia e grazie per la disponibilità. Potresti presentarti ai nostri lettori?
Salve a tutti!
Sono Giorgia, meglio nota nella rete come GiorgiaCosplay (ma vi giuro che non è il mio cognome! *_* ) e titolare del sito www.giorgiacosplay.com, una delle maggiori community italiane dedicate al mondo del cosplay.
Vivo in un paese vicino alla bella Verona e nella vita… beh, faccio un sacco di cose differenti oltre al cosplay, tutte in qualche modo legate a questo pazzo mondo.
Adoro il teatro, Suskind, Battiato, gli anni 80, la saga di Harry Potter, lo Stregatto, Big Bang Theory, le crepes, il frappuccino di Starbucks e Tokyo…

Tu hai un “hobby” molto particolare, se di “hobby” si può parlare. Sei infatti una Cosplayer. Ci vuoi spiegare di cosa si tratta?
Il fenomeno “cosplay”, è la contrazione dei due termini inglesi, “costume” e “player” e pertanto traducibile in modo approssimativo in italiano come “recitare in costume”. È un neologismo coniato in Giappone nel decennio scorso e identifica quella categoria di appassionati d’anime e manga che amano calarsi totalmente nelle vesti dei loro beniamini. Lo fanno realizzando in prima persona con cura quasi maniacale, o con l’aiuto di sarti e simili, gli abiti, nonché i vari strumenti (armi, oggetti, ecc…), che caratterizzano appieno il loro personaggio.
Quello che ai più sfugge, è che non si tratta di una “carnevalata” fuori tempo, perché lo spirito che muove il cosplayer è ben diverso. È più affine forse a quello di un attore, e per convincersene basta girare per una qualsiasi fiera e sincerarsi di come per un’intera giornata si possa davvero diventare qualcun altro. Assumerne le movenze, la gestualità, carpirne l’essenza, ripeterne imperterriti per ore le pose più o meno plastiche davanti a centinaia di obbiettivi fotografici. Atteggiarsi in sostanza proprio come lui.

Che differenza c’è con i giochi di ruolo? Te lo chiedo perché ho notato che anche in rete c’è parecchia confusione.
Presumendo che tu ti riferisca al gioco di ruolo dal vivo, direi che si possono tracciare alcune semplici e importanti differenze.
Nel gioco di ruolo dal vivo, che comunque è un mondo estremamente variegato, va sottolineata l’esistenza di giocatori particolari detti normalmente “master”, che si preoccupano di regolamentare il gioco, prestabilire ove necessario le situazioni, le interazioni interpersonali e le modalità secondo le quali il gioco stesso si svolgerà.
Le differenze più grandi vengono quindi proprio dal fatto che il gioco di ruolo dal vivo è tautologicamente un gioco, con regole e obiettivi per i personaggi.
Anche quando l’interpretazione (cioe’ l’obiettivo del giocatore) è prevalente rispetto al raggiungimento di un obiettivo del personaggio (che gli esperti chiamano gamistico), questa si svolge all’interno dei binari delle regole del gioco, secondo i parametri predisposti dal master. Invece nel cosplay si può liberamente saltare dall’interpretazione di un aspetto o di una particolare scena all’altra.
Riguardo ai costumi, esistono giochi di ruolo dal vivo nelle più disparate ambientazioni che non necessariamente ne richiedono l’uso.
Ma anche quando lo richiedono, il costume è un ausilio a calarsi nel personaggio e un elemento coreografico aggiuntivo, ma non è obbligatorio! A nessuno verrà mai impedito di giocare se non dotato di costume, mentre fare cosplay senza costume non ha molto senso.
I cosplayer sono invece ragazzi che in linea di massima si autoproducono costume e accessori e si trovano ad un evento. Possono scegliere o meno se partecipare al contest o limitarsi a posare per fotografie e interagire con gli altri cospalyer e visitatori.
Per quel giorno diventano il loro personaggio in tutto e per tutto, ma difficilmente si legano solo a quel personaggio, al cosplayer piace cambiare, mettersi alla prova, implementare le sue skills e creare nuovi costumi e nuovi gruppi.

La patria dei cosplayer è sicuramente il Giappone. In Italia come è vissuto questo fenomeno?
Il cosplay in Italia è praticato in maniera continua forse da un paio di centinaia di ragazzi/e.
Non molti, per la verità, sebbene alle varie convention, quella di Lucca in primis, si sfiorino picchi di mille cosplayer al giorno. Ma anche tra i cosplayer occasionali si vedono buoni lavori, sebbene è evidente che solo con l’impratichirsi, quindi solo con una certa continuità, si ottengano risultati di un certo livello.
La qualità dei cosplayer italiani è molto altalenante a mio avviso.
Generalizzando possiamo dire che ci sono alcuni veterani che sono sempre una garanzia di qualità, ma molti adolescenti che si avvicinano a questa passione, lo fanno esclusivamente per divertirsi in compagnia, e riproducono in modo piuttosto grossolano i costumi che indossano.
Purtroppo la scarsa qualità si vede! Questo non significa che tutti debbano spendere centinaia di euro per realizzare il proprio costume, ma semplicemente che ci sono diversi modi di vivere questa passione, nessuno più giusto dell’altro… ognuno opera le proprie scelte in tal senso.
Credo che questo pensiero valga a grandi linee anche per il resto d’Europa, sebbene metterei su un gradino piu alto i cosplayer francesi.
Altro discorso va fatto per America e Giappone.
In Giappone, essendone la patria, il cosplay si pratica con tutti i crismi, non si bada a spese e i risultati sono oltremodo eccezionali (poi, come diceva un mio amico: “I giapponesi devono avere un qualche gene particolare che li rende credibili anche con le parrucche piu assurde!!!”). In America i cosplayer sono talmente tanti, data la vastità del continente, che pregi e difetti sono riprodotti su più ampia scala.

Penso che questa passione abbia origini profonde. Come (quasi) tutti penso che anche tu da bambina sia cresciuta con i cartoni animati giapponesi. Quali erano i tuoi preferiti di allora? Io essendo uomo, ero attratto dai “robottoni” seri (Mazinga, Goldrake, Jeeg) e dai cartoni più demenziali (Lupin, Gigi la trottola, Yattaman). Tu invece per chi tifavi?
Io adoravo le maghette! Creamy, Emi, Gigì, Lalabel, Lulù, Evelyn… Naturalmente poi quelli per femminucce come Candy Candy, Maya e Georgie e gli umoristici come Pollon, Nanà, Muteking, Yattaman, ecc… ma in realtà alla fine guardavo tutto! ;P

Anche tu, come me, imitavi i loro movimenti distruggendo mezza casa, cantando le sigle a memoria?
Ovviamente sì!!! Il vero must erano le sigle! Adoravo ripetere nello stesso momento in cui scorreva la canzone, le gesta dell’eroe di turno, saltando su divano e ruzzolando un po’ ovunque. E poi avevo le mie fisse, tra cui il passaggio dimensionale di Paul e Nina ne “Il Fantastico mondo di Paul”; mi riempivo la casa di cancelletti dorati barocchi disegnati da me alla meno peggio, e rotolavo da una stanza all’altra fingendo di deformarmi per finire nel paese delle meraviglie, mentre mia madre che passava l’aspirapolvere, mi scavalcava con nonchalance…
Per non parlare delle maghette… Creamy, Gigì, Magica Emi… sognavo di diventare come loro, come buona parte delle mie coetanee del resto, e mi trasformavo a ogni piè sospinto!
La maestra Clara, alle elementari, stanca della mia ossessione, mi mandava quotidinamente a casa con improbabili note del tipo “Giorgia deve smetterla di disegnare Creamy su tutti i quaderni”! ^_^
Bei tempi…

Quando è scattata in te la molla, che ti ha fatto dire “basta, adesso mi vesto come le mie eroine”?
Il mio primo costume, quello di Sailor Mars, risale al lontano marzo 1997.
La molla era scattata l’anno prima sempre alla fiera di Lucca Comics.
Eravamo davvero in pochi allora a girare per le fiere nei panni dei nostri personaggi preferiti, e nemmeno sapevamo che questo hobby fosse già stato codificato come “cosplay” e che in Giappone, sua patria d’origine, fosse una pratica dilagante già a partire dai primi anni novanta. In realtà, siccome alla manifestazione di fumetti e animazione per eccellenza che è Lucca Comics, era pratica usuale per i ragazzi dediti ai vari Giochi di Ruolo vestirsi come i loro personaggi, anche noi amanti dell’animazione e dei manga pian piano abbiamo iniziato a presentarci con i nostri personalissimi costumi, in cosplay appunto.
Così con una cara amica (ora affermata webdesigner del mio sito e non solo) ci siamo dette: “Ma se loro si vestono come personaggi fantasy, perché noi non possiamo fare lo stesso con quelli degli anime che ci piacciono tanto?”
Quello che era nato per essere un approccio divertente con cui girare assieme ad altri amici per queste convention, è diventato col passare del tempo uno dei miei hobby principali. Il mio secondo lavoro!

Parliamo ora del punto focale di ogni Cosplayer, ovvero i costumi. Li realizzi tu oppure li compri?
I costumi li realizzo da sola con l’aiuto dei miei genitori.
Mia madre è un indispensabile supporto dal punto di vista sartoriale, mentre mio padre, essendo fabbro e falegname, mi aiuta per quanto riguarda la parte degli accessori. Mi piace molto pensare che siamo un team affiatato! ^_^

In base a quali criteri scegli il personaggio da “interpretare”?
Gli step sono sostanzialmente i seguenti:
1) Personaggi che mi hanno particolarmente colpito, che trovo accattivanti e che sono molto somiglianti, specie dal punto di vista fisico. Oppure personaggi con i quali si pensa di realizzare un gruppo con colleghi/e. Tutti questi li archivio in un faldone dal titolo “Projects” (attualmente ne conta più di un centinaio, tanto per rendere l’idea…)
2) Al momento della scelta esamino questi fattori: tempo, risorse economiche, fattibilità e, se all’aperto, periodo climatico della fiera e spazi assegnati.
3) A questo punto mi procuro il materiale necessario (spesso a dire il vero già ce l’ho in casa, perché ogni volta che mi capita di trovare merce interessante, si tratti di essi stoffa o accessori, li acquisto in previsione di un fantomatico utilizzo futuro) e stendo un progetto di realizzazione, facendo schizzi e stilando un ordine di esecuzione.
4) Una volta realizzato il costume, indossandolo con un’immagine innanzi, provo il make up e l’acconciatura, segnandomi una sorta di check-list di tutto ciò che mi potrebbe servire in seguito (alla fiera ad esempio) per reindossarlo alla perfezione.
Et voilà… il mio alter-ego è pronto!

Dove realizzi i tuoi set fotografici?
Non amo particolarmente i servizi in studio perché non valorizzano appieno il costume, per cui cerco, di solito intorno a dove vivo, delle location che in qualche modo possano essere “in match” con il cosplay che porto.
Sono abbastanza fortunata perché tra ruderi di castelli medievali, parchi e lago di Garda, posso variare di continuo, in più ho stretto un sodalizio lavorativo con il Parco Giardino Sigurtà di Valeggio sul Mincio (VR), il parco giardino più grande d’Europa, che si presta meravigliosamente bene agli scatti per i cosplay.

Negli ultimi anni i cosplayer hanno iniziato ad “interpretare” anche personaggi che non provengono dai “Manga”. Personaggi tratti da Comics americani, da film e soprattutto dai videogiochi. Tu approvi questa scelta oppure secondo te bisognerebbe restare in ambito “Manga”?
Non c’è limite alla fantasia, e non c’è limite alla scelta dei personaggi, non è scritto da nessuna parte che il cosplay debba essere confinato a manga e anime giapponesi… e per fortuna, aggiungerei!
Io sono la prima a pescare a piene mani da saghe americane o nostrane (vedi Winx) e la varietà non può che fare bene al cosplay e ai cosplayer.
Pensiamo poi ai grandi successi cinematografici, anche recenti: “Il Signore degli Anelli”, “Kill Bill”, “Harry Potter”, “Pirati dei Carabi”, le trasposizioni su celluloide di tutti i supereroi Marvel e Dc Comics… non sembrano fatti apposta per noi cosplayer?
Alle convention americane, per esempio, furoreggiano anche gli eroi dei comic e tutti quelli appartenenti al filone supereroistico, e nei vari Paesi, non è raro vedere interpretati anche gli eroi “locali”.
Così se in Francia è facile imbattersi in Asterix e soci, qui in Italia “Dylan Dog”, le “Witch”, le “Winx” e addirittura i gemelli della pubblicità 892 892(!) si mischiano tutti tranquillamente a costumi di nipponica ispirazione!

Come spieghi il fatto che negli utlimi tempi i soggetti preferiti dai cosplayer siano proprio i personaggi dei videogiochi?
Il fatto che i soggetti preferiti siano i cartoni e i videogiochi è presto spiegato.
Non solo si tratta degli eroi con cui spesso i cosplayer sono cresciuti e quindi meglio si identificano, o che hanno modo di seguire passo passo nelle loro imprese videoludiche, ma si tratta di personaggi dai costumi decisamente scenografici o comunque immediatamente individuabili.
Ciò nondimeno il filone di cosplay filmico, specialmente fantascientifico, conta numerosi estimatori anche nel Belpaese. Questo si spiega evidentemente perché i film di fantascienza, fantastici o fantasy contano personaggi molto caratterizzanti e facilmente riconoscibili.
Basti pensare all’imponente e scenico contingente della “501 Italica” (la sezione italiana di un’associazione americana che raduna i fan di “Star Wars” e che conta legioni in tutto il mondo; ragazzi/e rigorosamente nei panni dei cattivi della saga, perlopiù dei soldati delle truppe d’assalto imperiali)

La tua passione ti ha portata molto lontano… letterelmente. Nel 2005 sei stata eletta “Best individual Cosplayer” in Giappone (tra l’altro portando in scena uno dei miei preferiti… Devil Man).
È un avvenimento che non ho ancora metabolizzato del tutto… da allora si sono innescati una serie di meccanismi e reazioni a catena che ancora vorticano attorno alla mia vita. E tante belle opportunità.
Partecipare al “WCS” per un cosplayer è la massima ambizione, aver vinto, aver portato a casa il titolo mondiale, è nel nostro piccolo, come aver vinto un oro olimpico.
La sera della gara quando lo speaker ha sentenziato “World Champion award goes to… Italy!!!” io e il resto della squadra italiana siamo state pervase da un sentimento di euforia collettiva, ci siamo corse incontro abbracciandoci e ridendo felici ed emozionate.
Essere nella patria del cosplay, così lontane da casa, nella terra dei nostri sogni, e aver guadagnato questo ambito riconoscimento ci ha inorgoglito tantissimo. Il premio (un altro viaggio in Giappone) ci è stato poi consegnato direttamente da Reiji Matsumoto, il papà di “Capitan Harlock”! Una soddisfazione immensa e una di quelle occasioni che capitano una volta sola nella vita!

Penso che da quel giorno la tua vita sia cambiata in tutti i sensi. Credo che ti abbia aperto molte porte e soprattutto fatto incontrare molte persone. Ti autorizzo a farci morire di invidia… perché conosco i nomi che tirerai in ballo…
Io mi ritengo davvero fortunata per quello che questo hobby mi ha dato: la possibilità di girare il mondo come ospite a importanti convention e di conoscere personaggi che mai avrei potuto immaginare.
Da Reiji “Capitan Harlock” Matsumoto a Go “Mazinga, Goldrake” Nagai, da Yumiko “Candy Candy” Ygarashi a Monkey “Lupin” Punch, per non parlare di famosi doppiatori come Toru Furuya o interpreti musicali famosissimi come Ichiro Mizuki (tutte le sigle dei robottoni!) e Kageyama Hironobu (Dragonball, Saint Seiya)… se becco la Takeuchi e la Takada posso morire in pace ^_^

Se all’inizio poteva essere solo una passione, adesso immagino sia diventata qualcosa di più…
Ho iniziato a rendermi conto che stava diventando davvero qualcosa di più quando il tempo dedicato ad altri miei interessi stava scemando a favore di questa nuova passione.
Quando ho visto che iniziavo a fare progetti a lungo termine, prendere accordi, e perché no, quando ho realizzato che i miei lavori erano molto richiesti, è cambiato un po’ tutto. Adesso ho meno tempo per studiare ;_; … mi manca pochissimo a conseguire la laurea in Lettere Moderne, ma sono mostruosamente fuori corso per via del fatto che comunque sto già lavorando, anche se part-time, e il tempo libero che dovrei dedicare allo studio invece è per forza di cose investito quasi esclusivamente in quest’hobby.
Dopo il ritorno dal Giappone e la vittoria mondiale al “WORLD COSPLAY SUMMIT” è stato un delirio. Partecipazioni a programmi televisivi, interviste, servizi fotografici (tra cui anche per il mensile Vogue)….
Inoltre sono spesso in giro per il mondo, invitata ad altre manifestazioni legate al cosplay come ospite speciale (Messico, Giappone, ecc…), ma la proposta più interessante e simpatica che mi è capitata, è stata l’opportunità di incidere delle canzoni per un’etichetta, Eurobeat – la dance nipponica, dove canto in inglese e in giapponese!

Ho visto che sul tuo sito hai fatto anche degli scatti come modella in abiti “normali”. Mi dicevi che questi scatti sono particolari.
Si tratta della sezione “Modeling”, ovvero una variante sul tema, scatti per così dire liberi, che non c’entrano nulla col cospla,y ma comunque in abiti particolari.
La mia sezione modeling non è granchè sviluppata perché il tempo che ho lo dedico quasi esclusivamente al cosplay. In futuro forse avrà più spazio, anche perché la parte divertente del modeling è che non hai vincoli con i costumi e con le pose. Puoi sbizzarrirti come ti pare perché non sei legato a nessun personaggio!

Hai fatto anche degli scatti per fotografi professionisti e sei apparsa anche su “Vogue”, come accennavi in precedenza.
Già, quando ci ripenso non mi sembra vero.
In sostanza è successo tutto per caso, un giorno mi contatta tramite mail un famoso fotografo della rivista dicendo che gli serviva assolutamente la mia “Wonder Woman” per il suo imminente servizio… e così eccomi catapultata a Milano in uno stage insieme a professionisti per degli scatti stupendi. Una bella soddisfazione, non c’è che dire.

Nella gallery del tuo sito c’è un’area un po’ equivoca. La “Private Session”…
È un equivoco in cui i visitatori cadono spesso… per “private session” si intende la sessione fotografica di un costume mai portato in fiera, ma indossato solo per piacere personale; privato in questo senso, cioé mai mostrato in pubblico… ma mi sa che è ora di cambiare nome! ^_^

Sei fidanzata?
Fidanzata è una parola grossa, diciamo che sono impegnata

Cosa ne pensa il tuo ragazzo di questa tua passione?
Si diverte, mi aiuta e mi supporta come può. Ad esempio quando sono in ritardassimo con le rifiniture prima di un evento, oppure sbriga delle commissioni per me in giro per negozi e mercerie. Mi accompagna agli shooting e mi dà una mano nell’assemblamento del costume in quanto tale. Un vero tesoro…

Penso che sia il sogno di tanti potersi vestire come i propri personaggi preferiti, ma molti non sanno da dove iniziare. Hai qualche consiglio da dare a chi volesse intraprendere questa strada?
Innanzitutto avere tanta voglia di sperimentare e mettersi in gioco.
Fare cosplay significa avere voglia di mettere alla prova le proprie capacità, non solo sul piano strettamente sartoriale, cui spesso mamme o parenti zelanti ci vengono incontro, ma anche prettamente manuale.
Inoltre bisogna fare attenzione nella scelta del personaggio.
Meglio lavorare su qualche personaggio che, non solo sentiamo affine, ma che, per quanto possibile, ci sia somigliante. Oltre alla fattura del costume inoltre non va trascurata l’interpretazione, ovvero la parte “player”, quella cioè che ci fa immedesimare nel personaggio, muoverci e atteggiarci esattamente come lui.
Per rompere il ghiaccio, iniziate in gruppo… è molto più divertente!
E se questo non bastasse, vi rimando alla sezione “Come si diventa cosplayer” del mio sito

Quali sono gli appuntamenti più importanti in giro per il mondo e in Italia?
Per quanto riguarda l’Italia in ordine di importanza direi senza dubbio “Lucca Comics and Games”, che ormai è giunta al suo quarantennale, vanta un parco cosplayer incredibile e variegato.
Nelle gare di sabato e domenica si sfiorano i 700 iscritti alla competizione, senza contare coloro che girano a zonzo per il quartiere fieristico… Imperdibile!!
Poi immancabile è l’appuntamento del “Romics” nella capitale ad ottobre, dove si svolgono annualmente le selezioni per designare i due candidati che rappresenteranno l’Italia alla gara mondiale di Nagoya in Giappone, il “Wolrd Cosplay Summit”, l’evento piu’ importante per un cosplayer.
E infine concluderei il trittico con “Cartoomics”, a marzo presso la fiera di Milano, la convention piu’ importante tra le fiere del nord Italia.
Mentre per quanto riguarda gli appuntamenti esteri, mi sento di citare il “Japan Expo” a Parigi, il “Comiket” e il “TFT” nel duplice appuntamento estivo ed invernale a Tokyo e il “San Diego Con” a pari merito con il “Dragcon”, sempre negli U.S.A.

Per chi ti volesse vedere “live”, dove ti può trovare nei prossimi mesi?
Per ora posso confermare la mia presenza per tutti i giorni di “Lucca Comics”, a Novembre… il resto è ancora in via di definizione.
Mentre sono in giro quasi ogni settimana con la cartoon cover band “Le canne di Sampei”, per serate in feste e pub a suon di sigle di cartoni animati! ^_^
Comunque potete trovare tutte le info del caso nella home page del mio sito, sempre aggiornatissima!

Ti ringrazio tantissimo per la tua immensa disponibilità e la chiarezza nelle risposte. Magari ci si vede a Milano… e se ti serve un compagno per Yattaman, fammi un fischio! ^_^
Guarda, in effetti mi mancava giusto il maialino portafortuna! ^_^
Grazie a voi per la gentile intervista, spero che sia piaciuta e che abbia contribuito a chiarire alcuni aspetti del magico mondo del cosplay. Un grande saluto a tutti i lettori e spero di incotrarvi presto a qualche evento!

Potete trovare tutte le informazioni su Giorgia e mettervi in contatto con lei sul suo sito, facebook, myspace, deviantart e fotolog.
Tutte le foto ci sono state inviate da Giorgia e sono di sua proprietà. Riuscite a riconoscere tutti i personaggi che interpreta? Per le risposte, passate il mouse sulle immagini…

I più anziani come me sono cresciuti a pane e cartoni giapponesi.
Chi di voi non ha mai visto una puntata di “Holly e Benji”? O di “Doraemon”? O magari di “Spank”? E Pollon, con i suoi messaggi subliminali? (Perché non ditemi che la canzoncina “sembra talco ma non è, serva a darti l’allegria” non ha un doppio senso “stupefacente”…)
Quelli della mia generazione sono cresciuti con questi miti. Ma come tutte le cose, anche i cartoni giapponesi in un determinato momento hanno avuto una svolta. Potremmo dire che hanno fatto un salto deciso (decidete voi se di qualità o no… per me, di qualità).

Negli ultimi anni sono nati degli “anime” diventati cult in Giappone e tra gli appassionati. Tra questi, One Piece, Naruto, Death Note, Neon Genesis Evangelion, Full Metal Panic, Full Metal Alchemist e molti altri ancora.

In Giappone è Anime-mania. A differenza dell’Italia, dove questo genere di cartone animato è denigrato, maltrattato e mandato in orari assurdi e con censure varie, dicevo, in Giappone è tutto diverso. Gli anime vengono trasmessi in prima serata, hanno un seguito di pubblico pari alle nostre migliori fiction e migliaia di appassionati tra giovani e meno giovani.

Da un po’ di anni a questa parte il maggior anime giapponese, quello più seguito nel Paese del Sol Levante, quello che viene mandato in onda nella prima serata del sabato è One Piece.
In Italia ha subito ogni sorta di oltraggio. Interrotto più volte, doppiato pessimamente, censurato in maniera pesante.
Il creatore è il mangaka Eichiro Oda. In Giappone sono state trasmesse quasi 400 puntate, in Italia circa la metà.

La storia può sembrare semplice. Un ragazzo di 17 anni (Monkey D. Rufy) rimane affascinato dai pirati, tanto da voler diventare il Re dei pirati. Parte per un lungo viaggio incontrando luoghi fantastici, persone stravaganti e compagni di viaggio speciali.
Ma dietro a questa semplicità, si nascondono valori ben più ampi di una semplice storiella. C’è, innanzitutto, l’amicizia del capitano con il resto della sua ciurma. Per quest’amicizia reciproca, i vari membri raddoppiano, triplicano le loro forze per superare le avversità. Poi c’è la voglia di libertà rappresentata dal ragazzino diciassettenne che inizia a vagare per il mondo senza temere le novità e con il cuore aperto ad affrontare nuove sfide e fare nuove amicizie. Inoltre, quale altro cartone animato sovverte i ruoli come One Piece? Non ne ricordo altri dove i presunti “cattivi” vengono issati a eroi e i cosiddetti “buoni” sono invece i cattivi.
Questo ipotetico mondo è diviso in 4 mari (Nord, Sud, Est e Ovest), con una striscia di terra verticale (la Red Line) a dividerlo in due parti e la rotta maggiore (Grand Line), quella che porta al grande tesoro di Gol D. Roger, che lo taglia in orizzontale. Nel mondo di One Piece esistono varie entità. C’è il Governo Mondiale, un’associazione di 80 stati che lo governa servendosi della Marina per mantenere l’ordine pubblico. In contrapposizione del Governo Mondiale e della Marina, c’è la Flotta dei Sette, un gruppo di 7 pirati che può fare tutto quello che vuole senza che la Marina gli metta i bastoni tra le ruote. Servono in pratica a tenere a bada le flotte dei Pirati.

Tra queste due grosse entità, possiamo collocare i 4 Imperatori del mare, che sono le 4 flotte che sono più vicine ad arrivare al tesoro del Re dei pirati, Gol D. Roger. Questi imperatori servono anche a mantenere l’equilibrio tra il Governo e la flotta dei 7. E poi ci sono le varie ciurme di pirati. Altra particolarità è che nella Rotta maggiore (Grand Line) la bussola non funziona. Bisogna usare il Log Pose, una speciale bussola che serve per andare da isola ad isola. Esistono ben 7 rotte possibili, c’è solo una possibilità per scegliere la propria rotta ed è quando si arriva nella Grand Line dalla Reverse Mountain. Tutte queste 7 rotte portano ad un’unica isola. L’isola dove è custodito il tesoro.

Non è facile riassumere 400 puntate di anime e quasi 600 di manga in poche righe. Io considero Eichiro Oda un “folle genio” per la miriade di personaggi che ha saputo inventare.
Nella storia non mancano alcuni riferimenti a personaggi “nautici” veramente esistiti, come Edward Teach detto Barbanera (e nell’anime c’è un personaggio principale chiamato Barbanera) oppure come Sir Francis Drake (ma nell’anime è un personaggio cattivo di nome Drake).
Vi consiglio di seguirlo, ma se volete apprezzare al meglio questo bellissimo anime, guardatelo in lingua originale con i sottotitoli… non ve ne pentirete.
Luigi40

Le immagini provengono dal sito www.rolonoazoro.com. Se siete anche voi appassionati di One Piece, lasciate un commento! Se invece vi piacerebbe scrivere per questa sezione (magari anche di fumetti “occidentali”, che non sono ancora stati trattati), proponetevi senza indugio!

Manga, manga, manga, manga, manga, manga… quante volte i ragazzini usano questa parola e i più anzianotti, sopra i 35/40 anni storcono il naso, perché non capiscono se c’è qualcuno che manCa.
Spieghiamo brevemente cosa è il “Manga” e in quali stili si divide.
La parola Manga indica i fumetti prodotti nel paese del Sol Levante, il Giappone.
Il fumetto giapponese ha delle differenze sostanziali dai fumetti “occidentali”: il tipo di scrittura, dall’alto verso in basso, e il tipo di lettura, dall’ultima pagina alla prima (rispetto al nostro stile di lettura).
Ovviamente ci sono delle eccezioni, che, per risultare più accattivanti alla cultura occidentale, sono edite come le nostre pubblicazioni.
Senza stare ad annoiarvi troppo con dilungazioni sulla storia del fumetto orientale, passo velocemente in rassegna le varie tipologie in cui si suddivide il manga.

NB. Gli esempi per ogni categoria sono espressi secondo i manga che conosco o leggo al momento, per poter dare un giudizio più approfondito.

Shojo

Indirizzati ad un pubblico femminile, solitamente letti da ragazze dai dieci ai diciotto anni.
Le tematiche inizialmente trattate furono sentimentali, riguardanti tutte le cose che potessero coinvolgere il romanticismo che c’era nelle ragazzine.
Questo fu il filone principale che trainò il genere nel primo periodo, ma comunque letto soltanto da quella precisa categoria; quindi incominciarono diversi esperimenti per modificare le storie, manga sportivi, fantastici, horror… sempre comunque rimanendo con il tema principale (a volte velato) dell’amore.
Graficamente gli “shojo” sono caratterizzati da simboli che esaltano lo stato d’animo del personaggio (per intenderci, le “gocce di sudore” quando il personaggio è in difficoltà) e da occhi sproporzionatamente grandi.
Alcune famose opere di questo genere che sono arrivate in Italia sono Lady Oscar, Candy Candy e Sailor Moon.

Shonen’ai
Una variante del genere Shojo molto in voga ultimamente sono gli “Shonen’ai”, una serie di opere che trattano un argomento per molti spinoso, l’omosessualità maschile; generalmente evitati dal pubblico maschile, sono molto apprezzati dalle ragazze… Sinceramente io li evito come la peste, quindi non saprei proprio descriverli… mi dispiace.

Shonen

Indirizzati ad un pubblico prettamente maschile per le tematiche affrontate: combattimenti, magia, avventure fantastiche ed eroi immaginari; sono solitamente letti da ragazzi dai dieci ai diciotto anni.
Nonostante il lettore maschio non sia principalmente interessato al tema amoroso, nelle storie ci sono alcuni fumetti che esulano dalla classica guerra tra il bene e il male. Il lettore, oltre a personaggi femminili decisamente attraenti e provocanti, trova anche storie generalmente ambientate nei periodi “dei primi amori”; tra questi cito i più famosi: 100% Fragola, I’S, Video Girl Ai.
Il capostipite di questo genere è Dragon Ball, giunto in Italia all’ennesima riproduzione, sia in forma cartacea (attualmente alla quinta pubblicazione), che in forma televisiva (prima su TV locali e adesso stabilmente nel palinsesto Mediaset).
Oltre ad essere il manga più famoso al mondo, ovviamente ha influenzato tutti i successivi manga, tracciando delle linee guida che i successivi autori hanno seguito e stanno seguendo… Le arti marziali, il cattivo che diventa buono e si allea con il protagonista, la forza interiore e misteriosi poteri magici copiati da tutti i bambini (chi non ha mai provato a fare una KamehameHa – onda energetica – con le mani? Io ogni tanto lo faccio ma non succede mai nulla!).

Oltre a Dragon Ball, fanno parte della categoria Shonen gli attuali Naruto, Bleach, One Piece, che, attualmente ancora in produzione, sia in versione cartacea che nella versione televisiva, cavalcano il successo dato da questa accoppiata e in questo modo fanno sì che la loro conclusione sia ancora molto lontana (speriamo!!!).
Il successo di questo genere che si è affermato come il genere più letto in Giappone è anche dato dal fatto che settimanalmente su 3 riviste specializzate che pubblicano notizie, informazioni e curiosità sul mondo manga e di primissimo interesse vengono proposti inediti capitoli dei manga di culto in sequenza. Tutti i capitoli che vengono proposti su queste riviste nel futuro saranno raccolti nel “tankobon” (il manga vero e proprio), che uscirà settimane e mesi dopo la loro “anteprima”.
Le riviste appena citate sono Weekly Shonen Jump, Shonen Sunday e Shonen Magazine.

Seinen

Ci sono anche manga per adulti chiamati Seinen; essi, oltre ad attrarre adulti, attraggono anche i giovani che stanno maturando e che andando avanti nella vita incominciano ad affrontare tematiche più complesse della solita storiella “adolescenziale”.
Un esempio lampante può essere il fumetto “REAL”, il quale tratta l’argomento difficile della disabilità nello sport. Ragazzi normali che, a seguito di gravi incidenti, si ritrovano su una seggiola a rotelle e giocano a basket nella squadra disabile.
Un altro manga del genere è il manga storico Vagabond, che narra la storia di Musashi Miyamoto, famosissimo spadaccino realmente esistito, e della sua vita intrisa di allenamenti con la katana, battaglie mortali e fatti storici precisamente ricostruiti.

Hentai
Ultimo, ma non di poco conto, il genere “hard”, che grazie alla possibilità di creare personaggi dal nulla riesce ad attrarre un vastissimo pubblico, con le sue ragazzine provocanti e dei seni relativamente esagerati, i quali catturano l’interesse degli appassionati del genere.
Mi fermo qui, visto che è un argomento “VM 18” ed eventualmente lo approfondirò in seguito…

Nel caso vi sia piaciuto l’argomento, commentatelo, e se volete che magari illustri qualcosa di ciò che ho scritto fatemelo sapere… cercherò di fare del mio meglio per farvi appassionare/interessare a questo bizzarro ma coinvolgente mondo.

Dark Terror

Quando regnava ancora la semplicità, la capacità di stupirsi, la gioia di chi ha meno di dieci anni e tutto un mondo da scoprire… quando guardare la TV non era una semplice evasione dalla realtà, ma un momento importante dove apprendere i valori più importanti della vita attraverso il linguaggio della fantasia… quando guardare i semplici (si fa per dire) cartoni animati significava per molti inoltrarsi in un mondo adulto e bambino contemporaneamente e non solo di magìa e stupore fini a sé stessi… io ero lì… grazie a Dio!

Goldrake, Heidi, Ryu, Kimba, Remì, Jeeg Robot, Candy Candy, Daitarn III, fino ad arrivare a centinaia di storie indimenticabili di altrettanti personaggi che tuttora persistono nel cuore di milioni di adulti: quanti dischi, robot, giochi, fumetti, magliette e quant’altro ho fatto comprare ai miei genitori… e com’era bello mostrarli agli altri, ma soprattutto sapere di possederli. Era come avere accanto il tuo eroe preferito in carne ed ossa, o quasi.
E poi… si cresce. Gli anni passano, i problemi aumentano (a chi più, a chi meno), gli amici cambiano e con loro cambia il nostro spirito puro; la vita non ci dà tregua ed oggi molta della magìa che si aveva dentro si è dissolta nel quotidiano agire. Molti la chiamano maturità, o crescita, o divenire adulti attraverso le difficoltà… io la chiamo follìa!

Bisogna semplicemente avere equilibrio; bisogna che il bambino che è in noi (custode di creatività, di passione, di sensibilità e quant’altro di positivo) non muoia mai schiacciato dalla quotidianità, ma attraverso di essa si esalti e, di conseguenza, ci esalti. Eppure eminenti psicologi, saggi di svariate etnìe e periodi storici e… i nostri eroi preferiti ce lo ricordano da sempre! Mah!

Vi sembra impossibile? Guardate (tanto per fare un esempio) qualche serie televisiva giapponese come Jeeg Robot, Remì, L’Uomo Tigre, Sampei, Ken il guerriero, Tommy la stella dei Giants; ripuliteli poi di tutti gli elementi prettamente fantastici ed andate oltre quello che vedete… avrete molto da imparare!
Per molti come me la passione per le tematiche del fantastico non è solo un’evasione dalla realtà attraverso il passato o un semplice commercio (per chi lo pratica); conoscere altri appassionati, riscoprire vecchi e nuovi eroi, possedere rarità, significa principalmente mantenere vivo il bambino che è in noi, quindi noi stessi e la nostra vitalità… alla faccia di tutto lo schifo e la falsità che ci circonda.
Significa inoltre ricordarci di non perdere mai di vista quello che siamo in realtà, mantenere il più possibile intatta una propria integrità morale e spirituale, avere la forza di rialzarci nei momenti difficili anche (…e soprattutto…) senza l’aiuto di nessuno, saper prendere la vita in tutte le sue sfaccettature senza chiedersi perché.
Per chi non lo sapesse, tutte queste opere sono sempre state catalogate come “rigorosamente per bambini”: niente di più falso. I giapponesi hanno sempre alternato le situazioni dei loro cartoons passando attraverso vari generi: fantascienza, horror, romanzi storici, soap opera, avventura, commedia comica e demenziale, sport, favole e leggende, sia per grandi che per i più piccoli (per non parlare del genere sexy o splatter). Eppure, nonostante siano passati decenni e siano state spese miriadi di parole, sviluppate molteplici testate, organizzati dibattiti e manifestazioni, creato scuole e tanto altro ancora, qui in Italia abbiamo ancora una cultura altamente retrograda e piena di pregiudizi nei confronti di queste tematiche.

Inoltre, per anni queste serie TV hanno subìto censure, alterazione dei dialoghi e quant’altro di osceno affinché non venisse tutelata l’opera in sé, ma solo l’impatto emotivo con i minori, badando ad accrescere il merchandising e nulla più (vendite di diari scolastici, cartelle, gadgets, giocattoli, carte, videogiochi,etc…).

Per cercare di sensibilizzare il più possibile i “non addetti ai lavori”, affinché possano ricevere un’educazione cinematografica a tutela della propria cultura e della propria sensibilità nel lasciare un minore davanti al cartone animato adatto alla propria fascia di età, dal 1999 ho realizzato un sogno in lenta e costante crescita: l’Associazione Culturale Japanimation di Ostia Lido.
Chi vuole collaborare con noi può contattarci al sito www.japanimation.it (info@japanimation.it), oppure su www.myspace.com/japanimationweb.

Vincenzo D’Amico
www.japanimation.it

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